?

Log in

Сразу два Евгения Онегина посетили Екатеринбург, объехав перед этим полмира


На гастролях в уральской столице московский театр имени Вахтангова сыграл «Онегина» четыре раза подряд, и при совсем недешевой цене билета каждый день зал был набит битком. Этот спектакль Римаса Туминаса — настоящий праздник для театрала.

Современный и в то же время по-хорошему старомодный, удивительно легкий, простой и в то же время глубокий, насыщенный аллюзиями и метафорами для тех, «кто понимает». Известные, любимые артисты и прекрасное владение стихотворным текстом — Пушкин звучит вдохновенно, мелодично, без декламации, но и без обытовления.

По-пушкински свободен

Вахтанговский «Евгений Онегин» с момента премьеры успел стать событием в российском театральном мире. Многие критики обласкали постановку положительными и вдохновенными отзывами. С другой стороны, в марте прошлого года эксперты Российского научно-исследовательского института культурного и природного наследия им. Д. С. Лихачева подвергли его критике за искажение текстов и идей Пушкина.

И действительно, Римас Туминас с Александром Сергеевичем «на дружеской ноге». Однако режиссеру удается обойтись без панибратства. Туминас виртуозно работает с текстом, не иллюстрируя Пушкина, он выстаивает свою сценическую партитуру, экспериментируя с интонациями и ситуациями, сокращая и порой даже дописывая оригинал. И в этой своей свободе Туминас ближе к Пушкину, чем иной спектакль, следующий за автором «буква к букве». По-пушкински свободен режиссер и в том, как легко сочетает юмор и трагические моменты, иронию и сентиментальность.

Читать дальше...Свернуть )

Спектакль для бэбиков



В екатеринбургском ТЮЗе прошел Всероссийский фестиваль-лаборатория театров для детей и молодежи «Колесо». В город на Исети съехались театральные специалисты и педагоги, чтобы обменяться опытом и новыми методиками работы с невзрослой публикой.

Один из семинаров был посвящен еще только зарождающемуся у нас в стране театру для самых маленьких, или, как его еще называют, бэби-театру. О том, зачем с рождения надо водить малыша в театр и что можно показывать годовалому ребенку, мы побеседовали с ведущей семинара, куратором лаборатории «Бэби-лаб» в Центре им. Мейерхольда и проекта «Театр: бэби версия» Варварой КОРОВИНОЙ.

— Детей обычно начинают водить в театр с пяти лет, в Екатеринбурге есть спектакли и для трехлетних малышей. В чем отличие бэби-театра от привычного нам детского?

— Любой театр — адресный. Театр с приставкой бэби — для самых маленьких детей. Возрастные ограничения «0+», «6+» появляются не случайно. Восприятие ребенка сильно меняется год от года, и темы спектаклей, соответственно, тоже. Когда мы начинали работать в лаборатории «Бэби-лаб», было очевидно, что существующее деление не идеально, слишком большой возрастной разброс. Ребенок в возрасте от года до двух лет меняется очень интенсивно. Мы ориентировались на европейский опыт, есть такая ассоциация «Small size», в ней собраны европейские театры, которые делают спектакли для детей от 0 до 6 лет. Так вот у них очень мелкая градация, например «1+», потом «1,5+», «2+». И это все разные спектакли.

— А чем восприятие двухлетнего ребенка отличается от восприятия трехлетнего, например?

— Совсем маленьким детям обязательно надо устанавливать правила. Сначала надо объяснить, как действует тот или иной предмет, и только потом, чтобы вызвать, например, смех, поменять правила. Над чем смеются взрослые люди? Над парадоксом, сменой шаблона. Вот артист на сцене вместо вилки и ножа использует шляпу, нам смешно. Ребенку же сначала надо объяснить правила, рассказать про то, что обычно едят вилкой и ножом, а потом этот шаблон нарушать. Еще очень важен ритм, он должен быть медленным, плавным. Если все будет меняться быстро, ребенок не то чтобы не поймет, но просто быстро потеряет интерес к происходящему

УглубитьсяСвернуть )


«Добрый вечер! Сегодня Свердловская студия телевидения начинает свои передачи» — эти слова диктор Маргарита Зуева произнесла 6 ноября 1955 года. А сегодня свердловскому телевещанию исполняется 60 лет.

В 60–80-е годы Свердловская телестудия была одной из ведущих в СССР. В эфир выходили не только выпуски новостей, но и телеспектакли, музыкальные, литературные, спортивные, молодежные и детские передачи. Велись трансляции концертов и спортивных матчей. За каждой такой передачей стоял редактор, который отвечал и за идею и за ее воплощение. И главным редактором художественного вещания была Алла Лапина, которую читатели «Уральского рабочего» хорошо знают как театрального критика.

С Аллой Наумовной меня связывает не только любовь к театру и страницы «Уральского рабочего», я так же, как и она когда-то, работаю на свердловском телевидении — на ГТРК «Урал». Я иду как бы следом за ней и вижу большой путь этого талантливого человека, отдавшего много сил, времени, терпения и любви своему делу. Невозможно охватить ежедневный труд за 40 лет, но хочется сохранить хоть немного рассказов Аллы Наумовны Лапиной про те времена, когда свердловское телевидение было еще «зеленым», но плодовитым, а театр с экрана не только упоминали, но и показывали его постановки.

Читать дальше...Свернуть )


фото Е. Пермякова


III Уральская индустриальная биеннале современного искусства разместилась не только в гостинце «Исеть». Заброшенные цеха типографии «Уральский рабочий» превратили в «Перформанс-платформу».

С сентября по ноябрь здесь пройдут променад-спектакль, перформанс и поэтический концерт.

Для спектакля «Пролом» актеры Коляда-театра и ТЮЗа под предводительством драматурга Валерия Шергина и режиссера Александра Вахова помещения типографии превратили в чекистское подземелье. Само пространство здания является аутентичной декорацией из 30-х годов прошлого века. Да и Городок чекистов неподалеку, прямо дух захватывает. Видимо, и название спектаклю тоже подсказала архитектура — в коридорах старой типографии то и дело натыкаешься на проломы в стенах.

«Пролом» заявлен как променад-спектакль. А это значит, что зрители не будут, как обычно в театре, сидеть в зале, глядя на сцену. Променад подразумевает постоянное перемещение по ходу действия, следование за артистами, куда бы они ни пошли. По задумке это должно рождать особую вовлеченность зрителей в происходящее. Думаю, в Екатеринбурге таких спектаклей сейчас будет появляться все больше и больше. Квесты, променады и бродилки в театральном мире на пике популярности. Можно расценить это как то, что театр стремится выйти за свои пределы, попробовать новые формы взаимодействия со зрителем, зрители же в свою очередь устали сидеть и смотреть, они хотят новых впечатлений и большей погруженности.

Читать дальше...Свернуть )

ОБМАНЧИВАЯ КАРТИНКА

"Алиsa" Красноярский ТЮЗ, реж. Даниил Ахмедов
"Русалочка" Екатеринбургский ТЮЗ, реж. Роман Феодори


Завершился фестиваль «Реальный театр», разъехались по родным городам его многочисленные участники. Каждая из представленных на фестивале постановок была по-своему запоминающейся. Но были и особенные работы: «Ходжа Насретдин» Татарского театра им. Г. Камала, показанный на татарском языке и «Три сестры» новосибирского «Красного факела», поставленные на языке глухонемых. Ещё одним из спектаклей с особым языком стала «Алиsа» Красноярского ТЮЗа. Этот визионерский спектакль по мотивам «Алисы в Стране Чудес» Льюиса Кэрролла в Красноярске произвёл фурор. Уральских зрителей он тоже взбудоражил, и не только потому, что «сногсшибающе эффектен», но ещё и потому, что в нашем ТЮЗе есть спектакль-побратим «Алиsы» – «Русалочка». Почему побратим? Обе постановки относятся к новомодному визуальному бессловесному театру и сделаны одной постановочной командой: художник Даниил Ахмедов, режиссёр Роман Феодори, композитор Евгения Терёхина, видео-художник Денис Зыков. Вот только «Алиsу» поставил художник Даниил Ахмедов, а «Русалочку» режиссировал Феодори, Ахмедов же в уральской постановке выступил в привычной для себя роли художника.

Когда театр берётся за «Алису в Стране Чудес» невозможно не ожидать волшебства на сцене. Осязаемого, совершающегося прямо на глазах волшебства. Полет Алисы в темноте с книгой-светильником и зависание в воздухе на уровне первых рядов зрительного зала не просто захватывают дыхание, но дарят удивительные, трогательные моменты переживания детской мечты. Фокус с дверями буквально являет Зазеркалье: Алиса то открывает их, то закрывает, то видит за дверью огромную замочную скважину, то ещё одну Алису. Потом Алис становится всё больше и больше и вот уже несколько Алис прячутся за дверьми, догоняют Кролика, залезают в замочную скважину и ходят друг за другом гуськом, даже у взрослых начинает кружиться голова от такого количества дверей и Алис.

                                                         Сцена из спектакля "Алиsа"
                                                                         Фото: М. Маклаков

Но при всей своей яркости и увлекательности спектакль на поверку оказался набором трюков. Слишком много места театр уступил цирку. Старался, но не смог им овладеть. Театр теней, видео-инсталляции, полёты Алисы, забавные мимы Траляля и Труляля, улетающие в зал огромные белые шары…Всё это разнообразие само по себе вполне способно поразить воображение зрителей. Но обидно, что эти, пусть и позаимствованные приемы, выполнены далеко не на высшем уровне. Поэтому и получилось в итоге: недо-мимы, недо-цирк, недо-театр. Скорее обозначение фокусов, чем действительно завораживающая театральная магия. Понятное дело, детям для восторга многого не надо. Да и взрослым как оказалось тоже. Мы не требовательные. Но, посмотрев спектакли настоящих театральных волшебников, например Филиппа Жанти, которого привозили к нам на Чеховский фестиваль, понимаешь, каким может быть уровень фантазийных спектаклей. Почему-то на его постановке не возникает «утомлённости восторгом» и навязчивых мыслей об отсутствии истории и непонятности происходящего. Спектакль Жанти удивляет, увлекает, а внутренняя цельность и продуманность не дают задохнуться от экстаза. Проблема спектакля «Алиsа» в том, что он не выстроен композиционно и этим утомляет и сбивает с толку куда больше, чем сама книга. Даниил Ахмедов удивительный выдумщик и в «Aлиsе» он просто забросал зрителя всем, что только смог нафантазировать.


Сцена из спектакля "Алиsа"
         Фото: М. Маклаков

«Русалочка» же более цельный и выверенный спектакль. Здесь сохранена андерсоновская сказка, она сама по себе структурирует. Эффектных трюков в «Русалочке» меньше, но Роман Феодори использует визуальные приёмы как средство, а не как самоцель. С их помощью, он рассказывает, ведёт за собой, а не просто демонстрирует технические возможности театра. И все прекрасные и метафоричные находки художника Даниила Ахмедова в «Русалочке обретают смысл. Они не просто впечатляют, но воздействуют. Кроме того, в этом спектакле нет места полупрофессионализму. Каждый участник спектакля делает то, что умеет делать хорошо. К примеру, за хореографические вставки отвечают танцоры театра «Провинциальные танцы». Да и актриса Мария Викулина, играющая Русалочку, очень точна и действительно может пластически выражать свои переживания.


Однозначно, детский спектакль не должен быть скучным и назидательным, он должен будить фантазию, удивлять и увлекать своим миром. Здорово, когда театр обладает возможностью воплотить фантазии режиссёра и художника. Ещё лучше, когда все работают заодно и в меру. «Русалочка» в этом смысле гораздо более взвешенный спектакль.

Принц (Сергей Молочков) и Русалочка (Мария Викулина)
Фото: Н. Жигарева

НЕМЕЦКИЙ РЕКВИЕМ

Человек, эпоха и судьба.

Предсмертный монолог нациста, жизнь которого пронизана "смыслом истории".

Обнажение перед нами обманчиво. Раскаяния не последует. Он не ничего не отрицает и не отвечает на вопрос: «зачем всё это было?», он пытается рассказать «как погиб он и во имя чего погибла Германия».

"Я не мечтаю о прощении, поскольку не чувствую за собой вины, – я всего лишь хочу быть понят»




P.S. И это глаз в конце....А в нём весь их мир...и страшно, что всё это может повториться.

Метки:

Тюлени те же люди




Ирландский режиссер Томм Мур оживил национальные легенды и сказания в красочном мультфильме «Песнь моря».

Этот художник выпускает всего вторую работу, но уже зарекомендовал себя как создатель глубоких произведений.

Вышедшая в 2009 году картина «Тайна Келлс» покорила зрителей классической анимацией, уникальным стилем и грозной фольклорной историей. Мур не боится браться за сложные, даже трагичные сюжеты, но грусть в его сказках светлая и рождает надежду.

В основе «Песни моря» ирландский миф о древнем народе. Кельтские легенды рассказывают о селки — людях, которые когда-то были изгнаны в море и превратились в тюленей, но не утратили связи с землей. Иногда они могут выходить на сушу, сбрасывать свои шкурки и жить среди людей, а затем, вновь облачившись в тюленью шубку, уплывать глубоко в море. Так и живут они, раздираемые двумя стихиями, и ни одной из них не могут отдаться до конца. Можно полюбить девушку-селки, но однажды море вновь поманит ее, и оставшийся на берегу возлюбленный будет обречен на страдания.

Читать дальше...Свернуть )

«Сита поёт блюз» (США, 2008 год)

Режиссёр: Нина Пейли


Талантливый мультипликатор, чарующий блюз и пять лет кропотливой работы нужны для того, чтобы индийский эпос превратился в американскую рефлексию на тему взаимоотношений мужчины и женщины.

Режиссёр фильма «Сита поёт блюз» Нина Пейли не скрывает глубоко личных мотивов его создания - она пыталась справиться с болью от распавшегося брака. Свою историю она рассказывает, переплетая её с древней индийской поэмой «Рамаяна»., одним из священных текстов индуизма. Ситу, героиню эпоса, как и Нину отвергает муж. Это и становится связующей нитью повествования, разворачивающегося в двух плоскостях: современной и мифологической.

Нина счастливо живёт со своим мужем и кошкой в Сан-Франциско, пока мужа не приглашают на работу в Индию. Это событие приводит к постепенному отдалению, а в итоге и к расставанию. История Ситы сюжетно гораздо закрученнее, в ней помимо мужа Рамы, который её сначала спасает из лап злодея, а потом беременную выгоняет в лес, много второстепенных героев. Рассказывают про Ситу и её перипетии персонажи, которых озвучили друзья Нины Пейли, выходцы из Индии. По словам режиссёра, она попросила их просто рассказать про Ситу и Раму, то, что они помнят ещё с детства. Подзабывшие эту историю друзья сопроводили свой рассказ остроумными комментариями и забавными рассуждениями о происходящем.

Пейли использовала в фильме сразу несколько художественных техник. Современная часть истории выполнена в стилистике небрежно рисованного мультика, для рассказа об эпических событиях используется техника перекладки и индийские рисунки раджпутской живописи 18 века: фигуры, изображенные в профиль. Такая динамичная и забавная смена стилистики позволяет Нине легко удерживать зрительское внимание. Многопланово и и музыкальное содержание. Основные саундтреки к фильму написал Тодд Михаэльсен, традиционная индийская музыка звучит в обработке группы Masaladosa, но самое главное, что здесь как в настоящем индийском кино есть и сюжетные музыкальные вставки - Сита, похожая на сексуальную Бетти Буп, соблазнительно покачивая бёдрами, голосом Аннетт Хэншоу поёт грустные и ироничные блюзовые песни о любви.


Этот фильм удачно сочетает в себе и легкость, и ироничность и сентиментальную лирику. Но если присмотреться серьёзнее, то сразу заметна легкомысленность в обращении с индийской мифологией. Древнеиндийский эпос, несмотря на то, что история рассказывается непосредственно индусами, в фильме рассматривается с позиции западного человека. Однако отношения добродетельной Ситы и благородного Рамы вряд ли можно назвать love story: привычной нам психологической мотивации в поведении богов нет и быть не может.

От того так забавно и выглядят комментарии вроде: «почему ей обязательно надо, что бы её спас муж? Возможно она просто не доверяла обезъяне, которая прилетела спасать её».

Эпос и психология несовместимы, возможно поэтому фильм не оставляет ни искренних переживаний за Нину, ни восхищения героями древних сказаний.


Однако, удовольствие от великолепной анимационной техники, выдумки, таланта (которого в достатке) и самоиронии автора перекрывает все идейные шероховатости.





«Inferno» / «Ад»

Режиссёр: Р. Кастеллуччи

Авиньонский фестиваль, 2008 г.


Поэтизирующий жестокость и насилие итальянский режиссёр Ромео Кастеллуччи,   спектакль «Ад» ставит без кровожадных сцен мучений. Отправной точкой режиссёру послужила «Божественная комедия», но Данте здесь лишь повод для высказывания.
Cценическое пространство освобождено от сюжета и текста и наполнено только образами, нарисованными телами артистов. Высокие старинные стены авиньонского Папского дворца, на фоне которых разыгрывается спектакль, ещё одно действующее лицо.

ПолюбопытствоватьСвернуть )



Ромео Кастеллуччи, режиссёр:

«Я не вдохновлялся криминальной хроникой. Такое происходит каждый день, мы слышим об этом часто. Речь шла об онтологическом насилии создателя над тем, что создано им же, и парадоксальной слабости создателя перед своим созданием. Это трагическое видение в греческом понимании. Отношения между творцом и созданием. Сам акт создания обладает крайне насильственной природой, а создание прощает создателю всё»




Главный театральный волшебник Филипп Жанти создал спектакль «Не забывай меня» в 1992 году. Нынче в Екатеринбург приехала восстановленная спустя двадцать лет версия спектакля.

Показали ее в рамках региональной программы Чеховского фестиваля. После обносления в ней появились цвет (первый спектакль был черно-белым) и новые исполнители — молодые выпускники актерской школы в Норвегии.


Основное действие происходит во льдах. На сцене несколько айсбергов и небольшие сугробы, умело скрывающие многие трюки артистов. Спектакль сразу начинается с фокуса. Напевающая что-то певица в бордовом платье поворачивается к зрителям, и оказывается, что это вовсе не женщина, а обезьяна. Но вот вдали, во льдах, показываются маленькие тени: силуэты кукольных человечков, поднимающихся в гору. Обезьяна впадает в беспокойство, кричит, почесывает голову.

Затем свет гаснет, а когда зажигается, на сцену из-за кулис вываливаются мужчины в костюмах и котелках и женщины в белых платьях. Словно зомби, они падают на сцену и волокутся по ней парами. А потом оказывается, что половина этих людей — манекены. На каждого артиста — по кукле-двойнику. И порой сложно разобраться, кто из них кто, очень ловко артисты управляются и с куклами, и с собственным телом. Таких фокусов двойственности в спектакле много, со временем они уже легко разгадываются, но своей завораживающей силы не теряют.

Читать дальше...Свернуть )

СПРАВКА

Филипп Жанти начинал творческую карьеру как постановщик кукольных представлений, но стал знаменитым как режиссер синтетического театра. В своих спектаклях Жанти использует элементы драмы, кукольного театра, пантомимы, цирка, хореографии и вокала. Самые известные его работы: «Край земли» (2005 г.), «Болилок» (2007 г.), «Неподвижные пассажиры» (2010 г.), «Не забывай меня» (1992, 2012 гг.)